El Festival de Luz y Vanguardias de Salamanca es un acontecimiento de carácter anual dedicado a una modalidad artística que utiliza la luz como materia prima para la creación y el desarrollo de obras en las que se unen la plástica, el vídeo, las proyecciones y la instalación.

El escenario del Festival serán las calles de Salamanca y en particular algunos de sus edificios y espacios más emblemáticos donde se presentarán obras, algunas de ellas interactivas, abiertas a todos los salmantinos y visitantes que transiten por la ciudad durante las cuatro noches (del jueves 15 al domingo 18 de junio) que durará el evento.

Cuenta con el apoyo del Ayuntamiento de Salamanca y la implicación activa de Iberdrola, en su apuesta por la cultura y el arte de vanguardia. La organización corre a cargo de Estudio de Comunicación.

Este año, el Festival cuenta con cuatro secciones diferenciadas: la muestra de artistas nacionales e internacionales, la sección de concurso internacional en la que competirán empresas, colectivos y artistas independientes; la de jóvenes creadores con obras de estudiantes de las dos universidades de Salamanca y la sección +Luz que acoge una programación paralela propuesta por diferentes espacios artísticos de la ciudad.

Para Fernández Mañueco, alcalde de Salamanca, el Festival de Luz y Vanguardias acerca el arte a las calles de nuestra ciudad de una manera abierta, original y lúdica. Se trata de poner en valor nuestro excepcional patrimonio y de ligarlo a las últimas tendencias artísticas que prueban que el arte de vanguardia puede ser disfrutado por todos. Estamos encantados de poder dar continuidad, con el apoyo de Iberdrola, a este evento que beneficia de manera directa a la ciudad no sólo desde el punto de vista económico y turístico sino también como potenciador internacional de la marca Salamanca.

Espacios monumentales como la Iglesia del Convento de San Esteban, el Patio de Escuelas, la Casa de las Conchas o la Plaza de Anaya junto a la Catedral Nueva acogerán las obras de los artistas invitados para la edición 2017. La selección incide en el carácter internacional del  Festival con algunos de los creadores más importantes de la disciplina como son el mexicano Rafael Lozano-Hemmer, figuras de larga trayectoria en la creación plástica como los españoles José María Cruz Novillo y Juan Gomila que siguen evolucionando en su creación y artistas ascendentes como la francesa Félicie d’Estienne d’Orves o el dúo franco-japonés Nonotak studio ambos hasta ahora inéditos en España.

“Este año, los artistas invitados aportarán una interesante variedad de visiones aunque con un punto en común, la concepción del espectador como parte fundamental de sus obras. Son creadores muy solicitados en el circuito internacional pero Salamanca se ha hecho ya un hueco en el panorama artístico de la luz y para ellos resulta muy atractivo presentar sus obras en este escenario Patrimonio de la Humanidad”, explica Lourdes Fernández, responsable artística del Festival, encargada de la selección y coordinación de los artistas internacionales invitados.

Lourdes Fernández es actualmente directora de Azkuna Zentroa, centro de referencia cultural de la vanguardia vasca, y forma parte del patronato de la Fundación Museo Reina Sofía de Madrid. Fue directora de la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid ARCO de 2006 a 2010 y ha dirigido diferentes proyectos internacionales de arte contemporáneo como la Galería DV (Diario Vasco) en San Sebastián o la Bienal Europea de Arte Contemporáneo Manifiesta 5.

Ganador del concurso 2016: Slidemedia Lab

El Ayuntamiento de Salamanca ha comisionado al ganador del concurso celebrado en la primera edición, el colectivo de artistas multidisciplinares Slidemedia Lab, la creación de una obra que se expondrá durante el Festival en los jardines de la Plaza de Colón. Slidemedia Lab es un colectivo de artistas multidisciplinares, dedicados a la investigación y puesta en marcha de propuestas audiovisuales basadas en la técnica del videomapping, aplicaciones interactivas y creación de contenidos MotionGraphics.

La pieza que presentarán interactúa con los espectadores, que situados en un área de acción pueden manipular las proyecciones y “pintar” sobre la escultura a través del movimiento de los brazos y las manos. La acción de los espectadores también repercute sobre la iluminación que se proyecta hacia los árboles alrededor de la obra.

Artistas invitados en la edición 2017

Rafael Lozano-Hemmer

Rafael Lozano-Hemmer (Ciudad de México, 1967) es, hoy por hoy, el principal exponente mexicano del arte electrónico. Con veintitrés años de trayectoria, desarrolla instalaciones interactivas en la intersección entre la arquitectura y la performance. Su principal interés es crear plataformas para la participación pública, mediante la perversión de tecnologías como la robótica, la vigilancia computarizada o las redes telemáticas. Inspirado por la fantasmagoría, el carnaval y la animatrónica, sus trabajos de luz y sombra son “antimonumentos de agenciación alienígena”. Lozano-Hemmer es licenciado en Química Física por la Universidad de Montreal (Canadá), ciudad en la que vive y trabaja.

Sus instalaciones interactivas a gran escala han sido comisionadas para eventos como la exposición previa a la inauguración del Guggenheim en Abu Dhabi (2015), las Olimpiadas de Invierno en Vancouver (2010), el memorial de la Matanza de Estudiantes de Tlatelolco en Ciudad de México (2008), la Expansión de la Unión Europea en Dublín (2004), la inauguración del YCAM Center en Japón (2003), la Cumbre Mundial de las Ciudades de la ONU en Lyon (2003), Róterdam Capital Cultural Europea (2001) y las Celebraciones del Milenio en Ciudad de México (1999).

Recientemente ha presentado exposiciones monográficas en el San Francisco Museum of Modern Art, en el Museo MUAC de la Ciudad de México y en el Museum of Contemporary Art de Sídney. Rafael Lozano-Hemmer fue el primer artista en representar oficialmente a México en la Bienal de Venecia con una exposición individual en el Palazzo Soranzo-Van Axel en 2007.

También ha expuesto su trabajo en Bienales de Arte y Trienales en La Habana, Estambul, Kochi, Liverpool, Montreal, Moscú, Nueva Orleans, Sevilla, Seúl, Shanghái, Singapur y Sídney.

Félicie d’Estienne d’Orves

Félicie d’Estienne d’Orves (Atenas, 1979) es una artista francesa que vive y trabaja en París.

Su trabajo artístico combina la luz y la escultura con las nuevas tecnologías, mientras que sus investigaciones están centradas en los procesos y condicionamientos del sentido de la vista.

Mezclando video, esculturas y proyecciones, la artista manipula la luz como si fuera pintura mediante la modulación de proyecciones sobre esculturas. Utiliza un tratamiento de la luz por superposición de proyecciones sobre esculturas a modo de “pantalla”, evocando una dualidad de la realidad, tangible e inmaterial.

Sus instalaciones producen en el espectador un efecto de inmersión y se basan en una aproximación fenomenológica a la realidad que enfatiza la percepción del tiempo como un continuo. Desde 2014, las investigaciones de la artista se han centrado en explorar la relación del espacio con la astrofísica y en el estudio de los ciclos de la luz natural.

Su trabajo ha sido presentado en el Centre Pompidou, Le Centquatre, la Nemo International Biennial of Digital Arts y la Nuit Blanche de París, en el New Art Space y el Sonic Acts de Ámsterdam, en el Watermans Arts Center de Londres, en el Elektra Festival y el BIAN de Montreal, en la Maison des Arts of Créteil (Francia), en el OCAT de Shanghái, el ICAS de Dresde o el Aram Art Museum de Goyang (Corea del Sur).

NONOTAK studio

Noemi Schipfer (Francia, 1998)
Takami Nakamoto (Japón, 1988)

NONOTAK studio es la colaboración entre la ilustradora francesa Noemi Schipfer y el arquitecto y músico japonés Takami Nakamoto. El dúo nació en 2011, cuando el despacho arquitectónico Bigoni-Mortemard les encargó la elaboración de un mural para el vestíbulo de un edificio de apartamentos en París, ciudad donde residen y trabajan ambos artistas.

Pero no fue hasta principios de 2013 cuando comenzaron a trabajar en la creación de instalaciones audiovisuales cuyo sello característico es la generación de ambientes etéreos y oníricos que envuelven al espectador en un sueño donde se diluye la frontera entre lo real y lo virtual. En estos espacios destacan el enfoque sobre espacio y sonido de Takami Nakamoto y la experiencia en cinética visual de Noemi Schipfer.

NONOTAK crea resplandecientes instalaciones de arte visual que cobran vida en la performance, fundiéndose con música electrónica, luz estroboscópica y múltiples pantallas erigidas en estructuras que rodean a los artistas, creando un universo interactivo de metamorfosis de luz y sonido que envuelve a la audiencia.

NONOTAK studio ha sido comisionado por el Mapping Festival (Ginebra), EM15 ELEKTRA / MUTEK (Montreal), la Nuit Blanche (París), Roppongi Art night (Tokio), Axcess Art Gallery (Nueva York), Stereolux (Nantes), Playgrounds Festival (Tilburg), Mirage Festival (Lyon), Vision’R, Insanitus Festival (Lituania), FUZ Festival (París), Lunchmeat Festival (Praga), KIKK Festival (Bélgica) o Nokia by Lumia (Estambul), entre otros.

Su trabajo ha sido exhibido en instituciones y galerías como el Tokyo Grant Hyatt Hotel, l’Opéra de Lyon, Batiment d’Art Contemporain de Genève, Teatro de NWE Vorst, La Fabrique, Pavillon Carré de Baudouin y Le Générateur.

José María Cruz Novillo

José María Cruz Novillo (Cuenca, 1936) es un artista plástico con más de cincuenta años de trayectoria profesional, que ha estado centrado desde comienzos de los años 90 en el desarrollo del concepto “Diafragma”, denominación que engloba multitud de obras cuya característica común es la combinación de un número variable de elementos monocromáticos, sonoros, fotográficos o tridimensionales.

Desde el inicio de su carrera en 1957 José María Cruz Novillo ha ido trazando dos claras líneas paralelas en el mundo del diseño y el mundo del arte. Dentro del primero resalta indiscutiblemente como uno de los diseñadores españoles más importantes de todos los tiempos por la amplitud de su obra, su solidez conceptual y la transcendencia social adquirida por sus creaciones. Éstas han estado presentes en múltiples esferas de la vida corporativa y ciudadana en elementos tan singulares como los logotipos de las grandes corporaciones o partidos políticos, los billetes y monedas o las banderas de diversos territorios. Actualmente sigue codirigiendo, junto a su hijo, el estudio Cruz más Cruz.

La actividad netamente artística cuenta también con una larga trayectoria ya que en 1972 realiza su primera exposición en la galería Skira de Madrid. Desde entonces expone regularmente pinturas, esculturas, grabados, etc. En 1977 participa con una sala personal en la Bienal Internacional de Sao Paulo. Ha participado en las Ferias de Arte FIAC de París, Bassel Art, Art Cologne, y en ARCO de forma prácticamente ininterrumpida desde 1985.

Su “Diafragma Dodecafónico 8.916.100.448.256, opus 14”, la obra más grande del mundo, de 3.392.732 años de duración y estrenado en ARCO’10, puede seguirse, hasta su finalización, en www.cruznovilloopus14.com.

Juan Gomila

Juan Gomila (Barcelona, 1942) es uno de los artistas referenciales en el panorama español posterior al desarrollo del arte Pop. Su trabajo, que se inicia en los años sesenta, se propone como una reflexión lúcida acerca del valor del color y de los signos en un mundo saturado de señales y de códigos. Así, cabe afirmar que desde la época en que representó a España en la Bienal de Alejandría (1974, Primer Premio) o en la Bienal de Sao Paulo (1977), Gomila ha insistido en el valor que el cuerpo, esto es, el ser humano, asume en unos entornos urbanos altamente mediatizados.

Todas estas preocupaciones se hacen explícitas desde los años sesenta hasta nuestros días. Así podemos ver cómo la figura ha evolucionado de un modo complejo a lo largo de toda su trayectoria, sin importar, de hecho, el medio técnico al que recurría: de la pintura tradicional al collage o de la fotografía digital al proceso de escarbado y recorte en publicaciones de diferente índole. En la década de los noventa abre una nueva etapa en su trabajo en la que la figuración, si bien no desaparece por completo, queda diluida bajo un procedimiento pictórico mucho más abstracto y expresivo.

En 2003 realiza los primeros trabajos denominados “recortables”; piezas en las que utiliza revistas y libros sobre las que interviene recortando figuras. Pronto empieza a realizar fotografías de esas obras y a ampliarlas en gran formato, técnica que trasladará más tarde a la fotografía digital.

Sus trabajos figuran en colecciones como la del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca, el Museo de Bellas Artes de Asturias en Oviedo, el Museo Jovellanos de Gijón, el Museo de Arte Contemporáneo de Villafamés (Castellón), el Museo de Arte Moderno de Bialystock (Polonia), el Museo Textil de la Indumentaria (Barcelona) o el Museo Salvador Allende de Santiago de Chile así como en numerosas colecciones privadas y corporativas.

Concursos

La sección de concurso se desarrollará sobre la fachada del Ayuntamiento, en la Plaza Mayor de Salamanca. Artistas independientes, colectivos artísticos y empresas dedicadas a la creación audiovisual y al videomapping, competirán por el premio del jurado. Además, salmantinos y visitantes podrán votar, en la página web del Festival (luzyvanguardias.com), por su  obra favorita para el premio del público.

En la sección jóvenes creadores se proyectarán sobre la fachada de la Casa de las Conchas los trabajos realizados por estudiantes universitarios de la Universidad de Salamanca (USAL) y de la Universidad Pontificia de Salamanca (UPSA). Con este espacio, el Festival vuelve a descubrir al público el talento de los estudiantes que se forman en las universidades de la ciudad.

La sección +Luz

Una de las novedades de la edición 2017 es la incorporación de la sección +Luz que acogerá, a partir del mes de mayo, una programación paralela en los distintos espacios artísticos de la ciudad, con la luz como inspiración e hilo conductor de su oferta cultural.

Participan en +Luz los siguientes espacios:

  • El centro de arte contemporáneo DA2 con la exposición Espacio-Tiempo, sobre la luz como materia, instrumento y lenguaje. La ambiciosa exposición parte de los fondos de arte contemporáneo de la Colección Fundación Coca-Cola y de la Colección DA2 y dará especial importancia a la fotografía, que tiene en la luz su substancia básica. De junio a diciembre de 2017.centrada en la luz y la fotografía.
  • El Museo Art Nouveau y Art Déco Casa Lis que estrenará una espectacular iluminación de su bellísima fachada. A partir de junio.
  • La Galería Adora Calvoreferente en Salamanca y en Castilla y León albergará un nuevo proyecto del reconocido artista Javier Riera, en el que el artista desarrolla un concepto de la luz como elemento que constituye la imagen mediante un tránsito en el que luz y oscuridad intervienen de forma medida. Riera combinará cuadros, fotografía o vídeo con intervenciones de luz y oscuridad sobre el propio espacio expositivo. El creador avilesino regresa con esta exposición a la ciudad en la que se formó de la mano de la principal galerista de Salamanca. Horario por determinar.
  • El multidisciplinar Espacio Nuca que agrupa galería, escuela y showroom, presentará la exposición “Constelaciones” con la obra en cerámica de la diseñadora y artista madrileña Julieta Álvarez que en tan sólo cuatro años ha logrado que sus piezas figuren en tiendas y galerías alrededor del mundo. La exposición combina algunas de sus piezas más icónicas con móviles de gran formato creados específicamente para la muestra. Del 12 de mayo al 28 de julio de 2017.
  • El espacio cultural del Barrio del Oeste La Salchichería propone una “Trilogía de la luz”: luz natural, con la original propuesta sobre bioluminiscencia de la científica y artista plástica Juana Ciudad que toma a la naturaleza como inspiración; luz artificial con un ciclo nocturno de música electrónica e interacción lumínica y “no luz”, con cenas y maridajes a oscuras que potencian los sentidos. Luz natural: del 13 de junio al 9 de julio. Luz artificial: 16 y 17 de junio desde las 23:00. No luz: 16 y 17 de junio a las 21:30.

Para el director del Festival, Alberto Mariñas, “con +Luz, al igual que con el concurso o con la muestra de jóvenes talentos en la Casa de las Conchas, conseguimos uno de nuestros objetivos fundamentales: implicar en el Festival a la escena cultural salmantina. Además +Luz constituye un complemento ideal a la programación oficial, con actividades diurnas, vanguardistas y enraizadas en los espacios más creativos de Salamanca”.

Horarios

El Festival se inaugura el jueves 15 de junio y concluye el domingo 18 de junio. Horario de iluminación de edificios: de las 22:45h hasta las 2:00h. La proyección de las obras es continua en todos los espacios.

Videos de la edición de 2016

Serendipia artificial, Premio del Jurado

Este vídeo pretende llevar al límite las capacidades de percepción humana en relación al ruido tecnológico en el que nos vemos inmersos diariamente. Saca a la superficie dinámicas de funcionamiento interno de los aparatos digitales con el fin de convertir en imaginario todo aquello que procura ser siempre escondido; por ejemplo las bajas frecuencias, las ondas electromagnéticas o los errores que toda máquina tiene y que la industria lucha por hacer desaparecer. La tecnología digital es una ciencia que ha sido creada por el Hombre, un ente imperfecto que debe gran parte de su evolución a las casualidades, el azar, la hibridación y los errores. No debemos pensar entonces que pueda o deba existir una tecnología digital perfecta, más al contrario, debemos aprovechar la independencia creativa que puede ofrecernos como un nuevo horizonte de inspiración y creatividad.

Para la realización del vídeo, se ha manipulado el código de archivos digitales en post de encontrar imágenes aleatorias, creadas por la máquina, y crear así una obra híbrida ordenador-humano.

Sueño monocromático

Salamancolor

Salamanca mitología y arquitectura

Optiká

El cielo de Salamanca

Diafragma heptafónico 49 para salamanca, opus 13

Dossier Festival de Luz y Vanguardias

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